Hay espectáculos que emocionan, otros que inspiran y algunos que, directamente, obligan al público a desarrollar habilidades de visión periférica.
No por la complejidad artística de la propuesta, sino por la densidad humana de operadores de cámara —autodenominados filmmakers, que siempre suena más a alfombra roja— invadiendo el plano como si aquello fuera el desembarco de Normandía. Obteniendo éstos el protagonismo y elevando a los artistas de verdad al más absoluto destierro.
Luces, sonido, todo preparado y acción, artistas que se van a dejar la piel… y, en primer término, una ristra de espaldas, codos y cámaritas volando como en el simulador de vuelo “FlySimulator”, smallrings estabilizados, el público loco por ver a sus ídolos, los nominados histéricos por saber si se llebaban el "Globo de Oro" y de repente...
...todo esto, por cierto, no ocurrió en un ensayo caótico ni en un rodaje experimental sin reglas.
Ocurrió en los Premios Isla, celebrados en el Auditorio de Tenerife Adán Martín el pasado día once de marzo. Un espacio concebido para el reconocimiento de creadores digitales, la contemplación del arte digital… que, por momentos, pareció reconvertido en circuito de obstáculos para operadores en plena caza del plano imposible. Porque claro, uno entiende que documentar es importante. Incluso necesario.
Pero lo que está ocurriendo en algunos eventos no es documentación: es colonización visual. Una especie de safari donde la presa es el plano perfecto y el ecosistema —el espectáculo— pasa a ser un mero decorado prescindible. Si el artista queda oculto tras una maraña de operadores en trance creativo, no pasa nada: ya se verá en "vete tú a saber cuándo".
Y esto conviene aclararlo: este tipo de eventos están diseñados para el público, para los premiados, para los nominados. O al menos esa era la teoría. La práctica, visto lo visto, sugiere otra cosa: un evento cuidadosamente organizado… para que los filmmakers desplieguen su talento en libertad absoluta, sin la incómoda interferencia de espectadores intentando ver algo.
El problema no es grabar. El problema es olvidar para quién se ha diseñado todo esto
Y no para asistir a una coreografía paralela de cámaras en modo libre, cruzándose, agachándose, levantándose y, en ocasiones, atropellando literalmente la experiencia de quienes están allí con algo tan anticuado como una butaca en el culo.
Tan sencillo como saborear el disfrute del espectáculo tal cual se creó en aquellos maravillosos años treinta. ¡Que Bonito! Y luego está el pequeño detalle de la convivencia profesional.
Porque mientras algunos convierten el escenario en su patio de recreo audiovisual, otros compañeros, sí, esos que también están trabajando, intentan hacer su labor sin invadir, sin molestar, sin protagonizar.
¿Dónde quedó el silencio y la discreción de quienes hacen un trabajo cuyo resultado final, nadie ha visto cómo se hizo?
Lo irónico es que, en la búsqueda desesperada de “la mejor toma”, se acaba generando la peor imagen posible: la de un sector que confunde presencia con talento y movimiento con narrativa. Mucho gimbal, mucho enfoque automático… y muy poco sentido común, tanto por el que lo ejecuta, que no es sino un mandado, como el que lo permite y lo autoriza.
Quizá la cuestión no sea técnica, sino de principios: ¿en qué momento documentar un espectáculo pasó a justificar impedir que el espectáculo se vea? Porque al final, entre tanto operador navegando en el escenario como si fuera un videojuego, uno no sabe si ha venido a ver arte… o un documental donde el protagonismo se lo lleva el que menos pinta.
Chim Pum!
...he dicho!
